ECOS EN EL GRAN CANAL

– ‘ART OR SOUND’ REUNE INSTRUMENTOS MUSICALES Y OBRAS DE ARTE EN TORNO A LA CREACIÓN SONORA

Históricamente la milenaria ciudad de Venecia ha sido cuna y crisol de la música, de sus invenciones y sus hallazgos, de sus figuras y esplendores. Hay un eco armónico y único vinculado a la arquitectura y al desarrollo de temas específicos como la sinfonía o la ópera, una inquietud renovadora a la vez que soterradamente respetuosa con el pasado. La exposición Art or soundencuentra así con toda probabilidad su justificación y su lugar natural en la Venecia de hoy y en uno de sus emblemáticos palacios señoriales, con el añadido funcional del entorno de la Bienal de la ciudad, uno de cuyos intereses, la música contemporánea, ha sido foco y lema durante décadas, lo que ha dado lugar a un posicionamiento indiscutido dentro del panorama internacional de la especialidad. Pensemos solamente en Ígor Stravinski, que vino tantas veces, que estrenó aquí sus obras y que finalmente también está enterrado en el cementerio de la isla de San Michele. Cerca está también la lápida de Luigi Nono, muy ligado a la ciudad y a su vida musical. De ambos se habla profusa y reiteradamente en esta exposición del Ca’ Corner della Regina.

A la vez que resulta un babélico recorrido sonoro donde se mezclan —en una paradójica cercana lejanía— los sonidos liberados por instrumentos ya sean electrónicos, de viento o de cuerda, mecánicos o digitales, la exposición ideada por Germano Celant (que es además su comisario principal) representa un acontecimiento único y excepcional desde el hecho artístico a su coste. Es casi agotador, con los tiempos que corren, pensar en el costo y el trabajo de trasladar hasta el Gran Canal de Venecia algunas de estas piezas de museo, por su fragilidad, y por las particularidades de la propia ciudad de los canales, desde la humedad hasta la logística de estiba. El caso es que tras varios años de preparación, gestiones y viajes por todo el mundo tocando a la puerta de museos y colecciones privadas, Celant reunió lo que quería, las piezas exactas que permiten hilvanar un discurso progresivo y orgánico sobre esa relación de vasos comunicantes en la que muchas veces se duda qué fue antes: el huevo o la gallina. Esta disyuntiva está ligada y estudiada en el libro que la Fundación Prada ha editado y que es mucho más que un catálogo al uso: veinte estudios o presentaciones de especialistas que van desde la antropología a la técnica constructiva, desde el impacto sociológico a la implantación en el arte moderno. El sonido contundente de un calíope decimonónico arrebata al paseante cualquier ensoñación.

En la babélica muestra se mezclan sonidos de instrumentos de viento, cuerda, mecánicos electrónicos, o digitales

 

Todo el Ca’ Corner della Regina, cuya discreta restauración y adecuación para estas muestras permite al visitante situarse en el entorno palaciego original respetando las huellas del tiempo y la intervención humana, se vuelve una enciclopedia de la búsqueda sonora, una especie de axis mundidesde el armónico prebarroco a la posmodernidad, desde el clasicismo a la dureza casi matérica de la música concreta. Los instrumentos como vehículos de expansión y como amplificadores del genio creador, ese parece ser lema subyacente. Pero además, siempre, con un esfuerzo decorativo y plástico evidente, como si el artista o artesano no pudiera evitar expresarse también, lucirse a través de la manufactura. Y hay otro ideal contenido en muchas de estas piezas además del afán ciertamente decorativista, que por cierto, no escasea en ciertas épocas, como los relojes-jaula de los tiempos de los zares rusos o las cornetas en forma de serpiente con cabeza de dragón del siglo XVII. A estas piezas se suma su más sorprendente ejemplo, un clásico: los violines y guitarras de mármol con taraceas (entre ellas se encuentra la viola de Giovan Battista Cassarini, fabricada alrededor de 1687), excentricidades fronterizas entre las artes y el capricho nobiliario. En la exposición veneciana hay dos muestras de este magnificente y a la vez, si se quiere, bellamente absurdo objeto. Ya en el siglo XX tenemos a Tinguely.

El ingenio desborda hasta llegar a una terra mundi propia, la del sonido y su fuerza, su presencia inmanente y perpetua. Cita Celant en su texto dos ensayos a tener en cuenta: El siglo del rumor, de Stefano Pivato y, sobre todo, el elocuente El silencio no existe, de Kyle Gann (Dallas, 1955), el estudio sobre la composición de John Cage4’33, donde se plantea acertadamente que hay un antes y un después de esta obra sin notación. En la muestra veneciana está uno de los famosos “pianos preparados”.

La implicación de la Fundación Prada en las actividades de la Bienal de Venecia no ha hecho más que crecer en los últimos años; el mejor ejemplo es esta exposición Art or sound, que se hizo coincidir con la apertura de la Bienal de Arquitectura en junio, y discurre abierta en los periodos de los festivales anuales de danza y música contemporánea hasta noviembre. Además, la fundación milanesa ha financiado parte de las actividades y espectáculos de baile. La propia exposición es un enciclopédico apoyo que ilustra ambos festivales y que tiene que ver con ellos directa y operativamente. Lo ratifica unaperformance en vivo que parte de la obra de Jannis Kounellis(Piraeus, 1936), concebida en 1972, donde una bailarina de ballet improvisa sobre lo que toca el violinista: fragmentos de Pulcinella, de Stravinski, pentagrama que aparece difuso en la pintura de arte povera que la completa.

 

 

Art or sound. Fundación Prada. Ca’ Corner della Regina. Venecia. Hasta el 3 de noviembre.

Fuente:  

 

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La subversión millonaria de Banksy

*Un antiguo agente del artista expone en Londres, sin su permiso, unas 70 de sus obras

“No puedo creer que vosotros, idiotas, realmente compréis esta mierda”, fue la respuesta de ese misterioso personaje del arte urbano apodado Banksy a la elevadísima cotización de tres de sus trabajos en una subasta de Sotheby´s en 2006. El hoy grafitero más famoso del mundo, que por entonces comenzaba a afianzarse como un fenómeno cultural de nuestro tiempo, estampó la misiva en una litografía colgada en su web y que, vaivenes de la vida o del mercado, pende desde esta semana en la sala de exposiciones de la misma firma londinense como parte de la primera retrospectiva “no autorizada” de la obra del artista. La subversión, encerrada entre las cuatro paredes de una galería enclavada en el exclusivo barrio de Mayfair, vale millones.

El autor de esas siete decenas de obras que desde el próximo miércoles exhibirá el espacio S|2 de Sotheby´s por supuesto no ha acudido hoy a su presentación. “¡Odia la idea!”, nos confirma el comisario de la muestra y su antiguo agente, Steve Lazarides, sobre la proclamada aversión de Banksy a la comercialización de sus trabajos en galerías de arte al uso. Así se lo ha hecho saber el artista a través de un correo electrónico -hace años que no se hablan- aunque tampoco puede hacer nada al respecto, porque él mismo vendió en su día esa producción que abarca desde sus primeros años aerosol en mano y perseguido por la policía en las calles de Bristol hasta la consagración de su firma a mediados de la pasada década. Y ahora Lazarides se dispone a “reajustar” el nuevo valor en el mercado de esas imágenes que ilustran a un Winston Churchill con cresta de punk, a dos bobbys besándose apasionadamente o a la estampa de la reina de Inglaterra transmutada en un mono, gestionando su reventa al mejor postor.

Al margen de los réditos pecuniarios que acabe entrañando la operación, el despliegue de esos trabajos ejecutados entre 2000 y 2009, año de la ruptura entre ambos, “conforma el relato de una trayectoria que explicará al público el fenómeno Banksy”, defiende Lazarides, un antiguo fotógrafo que en su juventud documentaba las primeras incursiones nocturnas del grafitero en su Bristol natal y acabó formando equipo con él, convirtiéndose en su agente de facto. Fueron los años en los que el artista urbano transitó desde los abstractos del aerosol hacia una narrativa definida por un mensaje antisistema a través de piezas satíricas sobre política, tensiones sociales o la cultura pop. Los estarcidos con plantilla son el sello de Banksy plasmado en los espacios públicos de tantas ciudades, pero la exposición de Sotheby´s también ilustra su faceta menos conocida como escultor o pintor al óleo: la figura, por ejemplo, de una bailarina que emula a las de Degas pero el rostro cubierto con una máscara antigás, o ese cuadro del mar bajo un cielo soleado cuyo carácter bucólico rompe la presencia en la playa de un preso con el “uniforme” de Guantánamo, el mono naranja y una capucha en la cabeza.

La identidad del autor sigue siendo desde entonces un gran interrogante que alimenta el mito, y también la promoción de su firma. Por eso Lazarides no suelta prenda sobre el personaje, de quien se especula que es un varón blanco de treinta y pocos años e inglés. Lo único que confirma es que se trata de un artista autodidacta a quien él mismo contribuyó a afianzar en la escena del arte organizando los famosos stunts de Banksy, como su incursión del 2004 en el Museo de Historia Natural de Londres donde logró colgar una de sus piezas, nada menos que una rata disecada y pegada a un cartel: “Se vistió de operario, lo colgó en la pared sin que nadie se percatara y contactamos con la prensa para contarlo”. El célebre roedor que ahora cuelga en una de las paredes de la exposición de S|2 está valorado hoy en medio millón de libras.

 

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Cuando el Street art entra en la ecuación del mercado, gracias en gran medida a la publicidad recabada por Banksy, los murales concebidos como “arte público” empiezan a ser desgajados para su subasta por los propietarios de los inmuebles en cuyas paredes ha aparecido una noche un grafitis. Esa práctica es calificada de “inmoral” por Lazarides, porque esas obras “que nunca fueron concebidas para la comercialización son arrancadas de su contexto, del barrio que el artista ha elegido para relacionarlas con el entorno”. En ese punto coincide con su antiguo amigo Banksy, a quien todavía define como un “activista social” cuyas tretas publicitarias, asegura, sólo persiguen hacer llegar su mensaje a un máximo de público.

Separados sus caminos en 2009, los dos se han hecho muy ricos dentro y fuera del sistema. Lazarides fundó una galería en Londres considerada líder en el mercado internacional del arte urbano, del que ha sido uno de los grandes artífices. Banksy continúa con sus incursiones en el llamado “arte de guerrilla”, una de las más recientes el pasado otoño en las calles de Nueva York donde cada noche estampaba una obra en alguno de los inmuebles de la ciudad para dar después cuenta mediática en su portal. La ambigua recepción de los neoyorquinos sugiere que el fenómeno comienza a “quemarse”. Quizá por ello piezas nunca exhibidas en público, como la imagen de ese niño africano moribundo que el artista ha coronado con el lema de una hamburguesería global, salen ahora a la luz en una galería londinense para su exhibición y, sobre todo, su venta todavía en el pico de la cotización.

Fuente: http://cultura.elpais.com

Los herederos de Picasso exigen la reapertura del museo en París

Los herederos de Picasso exigen la reapertura del museo en París

**El gobierno retrasa la reinauguración, prevista para junio,hasta otoño

**Claude Picasso,hijo del pintor, monta en cólera: “Francia pasa de mi padre”

El legado de Pablo Picasso y su relación con Francia, el país de adopción del pintor, han generado dos enfrentamientos simultáneos entre los herederos del genio malagueño y el Estado francés. Claude Picasso, hijo de Picasso y Françoise Gilot, se ha declarado “escandalizado y muy preocupado” por el retraso de la reapertura del Museo Picasso de París, que estaba prevista para junio y que el Gobierno socialista ha decidido retrasar hasta septiembre. El legatario y administrador de la obra picassiana afirma en Le Figaroque “Francia pasa” de su padre, y añade que Aurélie Filippetti, la ministra de Cultura, “no tiene la menor voluntad de abrir el museo”, cerrado por reformas desde 2009.

Al mismo tiempo, un colectivo de artistas e intelectuales ha enviado una carta a Manuel Valls, primer ministro, y a Anne Hidalgo, alcaldesa de París, reclamando al Estado y al Ayuntamiento que salven la casa-estudio donde Picasso pintó el Guernica, en el número 7 de la calle Grands Augustins. El manifiesto reclama que se declare bien de interés artístico el edificio antes de que sus dueños se lo cedan a un grupo inmobiliario que, según los firmantes, quiere construir en él un hotel de lujo.

Claude Picasso, representante de la familia Picasso en el consejo de Administración del Museo Picasso de París, ha explicado que se ha reunido con la ministra de Cultura para intentar convencerla de que la pinacoteca debe reabrir en junio, pero que Filipetti se negó. “Me dijo que no podía porque no tiene vigilantes, y sostuvo también que las obras se habían retrasado. Pero las obras se han entregado en la fecha prevista, es decir, el martes pasado”, dice el hijo de Picasso.

El estudio donde pintó el ‘Guernica’ podría convertirse en un hotel de lujo

El heredero cuenta que Filipetti se negó a acompañarle a visitar las instalaciones del museo, y deduce que la ministra “no tiene ningunas ganas de abrir el museo”. “Me están mareando, y tengo la impresión de que Francia pasa de mi padre y también de mí”, concluye.

Claude Picasso quiere además que el ministerio se comprometa por escrito a que la directora del museo seguirá siendo Anne Baldassari, al frente desde 2005, y afirma que ha pedido ayuda al presidente François Hollande, sin éxito, y que su “última esperanza” es Manuel Valls, primer ministro e hijo del pintor catalán Xavier Valls, aunque este todavía no le ha contestado.

El fondo de la cuestión, según explica una fuente cercana al museo, es el choque personal entre Baldassari y Filippetti, dos mujeres de carácter fuerte que no logran ponerse de acuerdo en nada. Según esta fuente, Filippetti quiere desembarazarse de Baldassari, y amenaza con convertir al museo en un satélite del Centro Georges Pompidou. Pero Claude Picasso se niega a ambas cosas: “Si el ministerio está enfadado con Baldassari, yo lo estoy con Filipetti. La reapertura debía ser una fiesta inédita. La han convertido en una catástrofe”.

El heredero está tan enfadado que amenaza al Estado francés con revertir la donación de la colección de arte que atesoraba su padre si se confirma “el rumor” de que el museo Picasso se integrará en el Pompidou. Si esto sucediera, el gran perjudicado podría ser el artista español Miquel Barceló, que ha sido invitado por Baldassari a realizar la primera gran exposición temporal del nuevo Museo Picasso. El pintor, que no quiere entrar en la polémica, cree que el museo “abrirá en otoño, y no ahora”, y afirma que espera poder exponer en la primavera de 2015.

Inaugurado en 1985 y situado en el barrio del Marais, en un edificio llamado Hôtel Salé, el Museo Picasso cuenta con más de 5.000 piezas originales que forman la mayor y la mejor colección mundial del artista. A las donaciones que hizo la familia para crear la pinacoteca su sumaron más tarde la de Jacqueline Picasso, igualmente excepcional. Antes de la bronca, Claude Picasso había ofrecido al museo una nueva y doble donación muy valiosa: varios documentos de Dora Maar sobre la creación del Guernica, y un importante cuaderno de dibujos.

 

Antes de la bronca, la familia había ofrecido una nueva y doble donación

La renovación y ampliación del museo, que ha costado 31 millones de euros, se ha financiado en parte con una veintena de exposiciones temporales de la colección, que en los últimos cinco años ha visitado trece países distintos.

En paralelo a la polémica sobre el museo, otro contencioso amenaza con llevarse por delante para siempre el Granero del número 7 de la calle de los Grands Augustins. Picasso vivió en los dos pisos superiores de ese edificio entre 1937 y 1955, y allí fue donde pintó el Guernica, que se expondría por primera vez en 1938 en la Exposición Internacional de París. La asociación Opinion Internationale ha lanzado una campaña para exigir al primer ministro y a la alcaldesa de París que clasifiquen con urgencia el lugar como bien de interés cultural y de la memoria el edificio.

La carta, firmada por docenas de artistas, intelectuales y profesionales, recuerda que el Granero está cerrado desde noviembre pasado porque su propietario, la Cámara de los Ujieres de Justicia de París, expulsó al Comité Nacional para la Educación Artística, que había reformado el edificio en 2002 y que realizaba allí todo tipo de actos culturales.

Aunque los herederos de Picasso se habían ofrecido a financiar una fundación, los dueños parecen preferir una opción más prosaica: ceder el edificio para un hotel de lujo. La carta enfatiza que el Estado clasificó de urgencia como bien de interés cultural hace unos años un restaurante de los Campos Elíseos, y animan a Valls e Hidalgo, dos franceses de origen español “que siguieron los pasos de Picasso”, a presionar para que la comisión de patrimonio haga lo propio el próximo 13 de junio con este “lugar único de la historia del arte”.

 

Fuente que utilizo:  http://cultura.elpais.com